El miércoles, a las 8:00 pm, se estrena en el Celarg A la carta, un
corto escrito y dirigido por Ronald Rivas, con las actuaciones de Gloria
Sánchez, en el papel principal, Pastor Oviedo y Carlos Maza. Fue la tesis de
grado de Rivas en la Escuela de Artes de la Universidad Central de
Venezuela, con Manuel de Pedro como tutor, y destaca por la calidad de la
realización y, sobre todo, por el manejo del tiempo. Hay hasta 6 planos
temporales diferentes en los 16 minutos que dura la película, porque el
filme trata de cómo vivir en el presente es también un continuo sumergirse
en los recuerdos y un dejarse llevar por los deseos, y regresar del pasado y
del futuro al presente.
En A la carta se utilizaron dos directores de fotografía, Mariana
Quiroga y Orlando Adriani, cada uno de los cuales tiene una manera distinta
de filmar y usan cámaras diferentes. Para lograr las transiciones temporales
también fue importante el trabajo de la dirección de arte, en especial el
maquillaje de Oscarovsky Boyer y el vestuario de Carolina Omaña. Ayudan
mucho a lograr transformaciones en el aspecto de la actriz que, además de
contribuir a lograr el resultado que la narración requiere, le dan atractivo
visual a la película. Es, además, un cortometraje prácticamente sin diálogos
y con poco de aquello que suele llamarse “acción”. El eje de la historia son
las emociones, los sentimientos y las sensaciones de la protagonista.
Vértigo aprovechó la cercanía el estreno para conversar con Ronald Rivas.
[Transformers:
la venganza de los caídos]
Puede que la clave para el análisis definitivo de Transformers 2: La Venganza
de los Caídos, el último y lustroso juguete de
Michael Bay, resida en esa secuencia en la que Shia LaBeouf
se acerca a un póster de Dos policías rebeldes II
(Bad Boys II.
Michael Bay, 2003) para decorarlo con los jeroglíficos
perdidos de los primes.
La jugada, que tiene todo de guiño, algo de ironía macabra
—el póster del film cubre parcialmente a uno de Monstruoso (Cloverfield.
Matt Reeves, 2008), la producción del otro niño bonito de
Hollywood, J. J. Abrams—, y otro poco de inteligencia, nos
sirve para ejemplificar el proceso artístico que conduce a
Michael Bay a afrontar una secuela tras el mayúsculo éxito
de la primera parte. Bay, próximo a figurar en las listas de
Cahiers du Cinema, Rouge o Sight & Sound de seguir en esta
línea, parece plantear una reescritura (¡!) de la primera
entrega, basada en los parámetros creativos de la secuela
del film protagonizado por Will Smith y Martin Lawrence. ¿Y
qué es una secuela para Michael Bay? Despojar al material de
toda su carga argumental y embestirlo directamente con todas
sus obsesiones de yuppie
paleto de Los Ángeles. Roberto Alcover Oti, Miradas de
Cine Ver más/
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“La cosa de Obama surgió
porque caminaba en un aeropuerto de Las Vegas y él también estaba
caminando, con el bolso y el bolso de mano echados al hombro, después de
que lo había visto justo al comienzo de su campaña. Caminábamos uno
junto al otro y le dije: 'Lo vi y me gustó lo que dijo la otra noche.
Realmente me gustó escuchar sus cosas'. Me presenté y él me preguntó:
'¿A qué se dedica?' 'Soy director', y él dijo, '¿de qué películas?' Le
dije todas las películas y él dijo: 'Ah, usted es un director grandote.
He visto algunas de sus películas'” Michael Bay Ver más
Fragmentos del destino
[Fragmentos del
destino]
Fragmentos del destino
(Jieho Lee, EE UU-México, 2007) presenta un curioso repertorio de trampitas
culturales. El nombre del novel director parece agregarse a la cola de
pequeños maestros asiáticos de los que Hollywood se ha pavoneado, pero nada
que ver. Este Lee es un neoyorquino hijo de inmigrantes coreanos, que
encontró acogida en México. Luego, el filme se autopromueve como filosófica
abriéndose con una cita inocua de Henry Ward Beecher, pastor decimonónico
hermano de la autora de La cabaña del Tío Tom, y adoptando un
proverbio chino para presentar su estructura en capítulos llamados
inexplicablemente “Felicidad”, “Placer”, “Dolor” y “Amor”. Ambretta Marrosu, El Dedo en el Ojo,
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Apaloosa
[Appaloosa] Ya no se
hacen westerns. El género no sobrevivió a las rupturas de los años 60 y los
cambios de estilo de los 70 y los westerns clásicos, los que le dieron al
cine americano su solidez y su fisonomía más reconocible, transitaron sin
fluidez a productos que negaban su esencia original para disolverse en los
conflictos y el vértigo de aquellas dos décadas lejanas (Con una excepción
notable que careció de vástagos: el inimitable Sam Peckinpah con su
Pandilla salvaje o su Balada de Cable Hogue, pero eso amerita al
menos una nota aparte). El hecho es que el western, ese género polarizado de
buenos y malos, cowboys e indios, asaltantes y perseguidores, no tuvo más
futuro que sus descendientes peninsulares que en sí mismos fueron otro
género (el spaghetti western). En todo caso, lo bueno de la historia es que,
salvo excepciones en estos últimos años, cuando sale un western, es un muy
buen western
- Héctor Concari, Tal Cual Ver más/
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[20 años
del estallido de Do The Right Thing] El 30 de junio de 1989 logró estrenarse en Estados Unidos una película que hizo temer
a los exhibidores que fueran quemados los cines, tal como ocurre con una
pizzería en el filme, después del asesinato de un negro por policías
blancos. Se le atribuía potencial de causar disturbios por motivos raciales.
Do The Right Thing se titula, y el director es un cineasta afroestadounidense, nacido en Atlanta y
radicado en Nueva York, que había hecho olas en su época de estudiante con
el corto The Answer (1980), literalmente una respuesta indignada a
El nacimiento de una nación de D. W. Griffith(Birth of a
Nation, 1912). Rechazaba que se le concediera el estatus de clásico del
cine a esa película sin llamar la atención sobre que el hecho de que es
propaganda del Ku Klux Klan. Luego de graduarse había rodado She’s Gotta
Have It (1986), una comedia intimista que ganó el Premio de la Juventud
en Cannes sobre una mujer que mantiene una relación con tres hombres a la
vez, en la que demostró su buena mano para el erotismo cotidiano y para
sacar partido de la belleza poco convencional en el cine de Nora Darling,
tal como ocurre con Rosie Pérez en Do The Right Thing. Pero fue con
esa otra película, la incendiaria, que Spike Lee demostró quién era Spike
Lee.
Do The Right Thing es un filme social que termina en tragedia pero comienza como una comedia
irónica. Sus personajes representan, a través de diversos estereotipos, a
los habitantes negros y puertorriqueños de una calle de Brooklyn en la que
hay dos establecimientos comerciales: una pizzería de blancos, descendientes
de italianos, y un mercado de asiáticos, coreanos. Lee, que escribió,
produjo y dirigió el filme, e interpreta al personaje principal, Mookie, se
muestra implacable con su gente. De esta manera retrata a algunos de los
personajes: Smiley (Roger Guenveur Smith) es un retrasado mental al que
presenta en contrapicado, con una iglesia bautista en el fondo, sosteniendo
una de foto de Malcolm X y Martin Luther King que intenta venderle a sus
vecinos con el balbuceo “M-m-m-malcolm, Ma-ma-ma-martin”; Radio Rahim (Bill
Nunn), como su nombre dice, carga siempre consigo un enorme reproductor en
el que suena atronadoramente el rap jazzeado de Public Enemy (“Fight the
Power”) y su rostro sin expresión sugiere que está idiotizado hasta está más
allá del bien y del mal por la música rebelde; Buggin’ Out (Giancarlo
Espósito) es un defensor recalcitrante de la negritud, que considera un
escándalo que en la pizzería haya una “Pared de la Fama” de fotos de
descendientes de italianos sin ningún afroestadounidense, por lo que llama a
un boicot del local, pero también manifiesta abiertamente un racismo de
contragolpe en un enfrentamiento verbal con un vecino blanco, al que no
quisiera ver más en el barrio.
Con los ítaloestadounidenses Lee es menos vitriolesco en apariencia, pero hila más
fino en el fondo social de la crítica. En Sal, el dueño de La Famosa
Pizzería de Sal, se percibe claramente el cruce de las líneas que dividen a
las clases y a las razas. Es, por una parte, un empresario egoísta, que no
sólo cobra caro cada pedazo de pizza que vende sino que ignora que no ha
levantado su negocio únicamente con su esfuerzo y el de sus hijos sino
también con el dinero de los consumidores de la comunidad. Parece incapaz de
percibir lo importante que es para él y para su negocio la gente negra que
le rodea. Eso cual se manifiesta también en la forma como trata a su único
empleado fijo, Mookie, y al viejo Da Mayor, el Tío Tom de la película, a
quien le da unas monedas para que barra la acerca: los desprecia y los
considera con actitud paternalista a la vez - Pablo Gamba
“Enseñaban que D. W. Griffith
era el padre del cine. Hablaban de todas las 'innovaciones' que hizo.
Pero nunca hablaban realmente de las implicaciones de El nacimiento
de una nación. Nunca hablaban de cómo el filme fue utilizado como
una herramienta de reclutamiento del KKK” Spike Lee
Lea la entrevista en The Guardian
Marie Menken
[Filmes de Marie
Menken y Gregory Markopoulos]
Marie Menken y Gregory Markopoulos son dos realizadores del underground
estadounidense cuya obra es menos conocida que la de Maya Deren, Stan Brakhage y Kenneth
Anger, o la de Andy Warhol y Jonas Mekas, por ejemplo.
En Christmas USA (1949) Markopoulos utiliza el montaje para
entrelazar historias de una manera tal que descompone también la
representación del espacio y del tiempo. Es próximo en eso a Maya Deren,
aunque el filme no tiene la audacia de los cortos de la realizadora.
Destaca, en cambio, por el sutil homoerotismo.
Go! Go! Go! (1961-1964) es el resultado de dos años de trabajo
documental de Marie Menken sobre la gente de Nueva York y sus diversas
actividades, condensados en 11 minutos. En la película se combinan tomas en
movimiento, hechas principalmente desde un carro, y stop motion con cámara
fija, como ocurre en la secuencia de los barcos.
Christmas USA de Gregory Markopoulos (1949) [Hay
que quitar el sonido]
Go! Go! Go! de Marie Menken (1961-1964)
[Un KO
cinematográfico] Combat de boxe (1927), del realizador belga Charles Dekeukeleire,
puede verse en Internet, en una versión musicalizada por el saxofonista y
compositor Eric Sleichim.
La película, cercana en espíritu al futurismo, destaca por el uso de las
técnicas acuñadas por las vanguardias de los años veinte, especialmente en
lo que respecta al montaje, a las sobreimposiciones, y al uso de los títulos
y planos en negativo.
Dekeukeleire es uno de los más
importantes realizadores del documentalismo social belga. Después de
Combat de boxe filmó Visions de Lourdes (1931), sobre la
explotación comercial de los sitios de peregrinación religiosa, y Terres
brulées (1934), sobre la situación de los habitantes del Congo
colonizado.
[Por los derechos
de los que deciden cambiar de sexo]
Ha sido publicado en Internet el demo del documental venezolano Los
últimos indocumentados de Andrea Baranenko y Daniel Ruiz Hueck.
Trata de la imposibilidad de que a las personas que deciden
cambiar de sexo en Venezuela, haciendo uso al legítimo derecho de disponer
de su propio cuerpo según su voluntad, su
nueva identidad les sea reconocida por el estado.
El artículo 20 de la Constitución de la República Bolivariana de Venezuela
dice: "Toda persona tiene derecho al libre desenvolvimiento de su
personalidad, sin más limitaciones que las que se derivan del derecho de los
demás y del orden público y social". El artículo 21 añade: "No se permitirán
discriminaciones fundadas en la raza, el sexo, el credo, la condición social
o aquellas que, en general, tengan por objeto o por resultado menoscabar el
reconocimiento, goce y ejercicio en condiciones de igualdad de los derechos
y libertades de toda persona".
[Dos
filmes de los Black Panthers]
En Internet acaban de publicarse dos filmes que son importantes documentos
históricos sobre los Black Panthers.
La primera película es Black Panthers - Huey! (1968), realizada en
Estados Unidos por la Agnès Varda y que se centra en el mitin que se
realizó en el Auditorio Oakland, el 17 de febrero de 1968, para exigir la
liberación de Huey P. Newton, acusado del asesinato de un policía. La segunda, que viene a continuación en el
mismo video, es un noticiero de contrainformación.
Folklore
criminal: "Este tipo de historias son endémicas en Chicago", dice Michael
Mann, que nació en esa ciudad, acerca de su más reciente película,
Public Enemies, en una entrevista en video de 16 minutos de
duración publicada en la página web de The Guardian.
Véala/
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al tanto
Ver
sin juzgar: Pablo Larraín explica por qué el personaje principal de su filme
Tony Manero es amoral y no inmoral en una entrevista sobre la
película publicada en un clip de audio en Greencine. La cinta
trata de un asesino en serie obsesionado con el personaje de Fiebre del
sábado por la noche en tiempos de la dictadura de Augusto
Pinochet en Chile.
Escúchela/
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Otro
tipo de diálogo: "El tipo de historia que me gusta contar es otro tipo de
diálogo. Es el diálogo entre sonido y movimiento, y sentimientos y
emociones. Creo que ahora un montón de filmes están llenos de
verborrea, probablemente por causa de la TV. Porque la televisión es
principalmente close ups, tiene que ser rápida. Y porque tiene que
ser rápida no tienes tiempo de explicar completamente, con un
planosecuencia, lo que ocurre entre las personas. Así que en vez de
experimentar lo que pasa, digamos, cuando una pareja baila, el
diálogo es usado para explicar. Y creo que en el cine todavía
tenemos la oportunidad de tomarnos nuestro tiempo", dice Claire
Denis en una entrevista en The Guardian con motivo del
estreno en Gran Bretaña de 35 rums. Ver más/
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Karlovy
Vary inicia: Hoy comienza el festival de cine del balneario de la República
Checa. En la selección oficial fue incluido el filme colombiano
Oveja negra de Humberto Hinojosa y en el Foro de los
Independientes compite La Tigra, Chaco, una cinta argentina
de Federico Godfrid y Juan Sasiaín. Ver más/
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Cine
de la inacción:
"En la
inacción, para mí, siempre hay acción. Nunca puedes dejar de hacer
algo. El personaje está buscando la pieza (para reparar su carro).
Está huyendo. La película es un viaje truncado. Es un road movie que
no avanza, pero que, al mismo tiempo, sí lo hace. El personaje no
deja de moverse y de estar escapando. Lo que ocurre es que se
enfrenta a cosas aparentemente chiquitas, pero tiene detrás un
conflicto. Raymond Carver hablaba del efecto iceberg de los
personajes: parece que hay algo chiquito afuera, pero abajo hay algo
enorme",
dice Fernando Eimbcke, director de las películas mexicanas
Temporada de patos y Lake Tahoe, en una entrevista
publicada en El Tiempo.
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Premiado
en España:
Cunaro
de Alexandra Henao quedó en
segundo lugar en el Concurso Iberoamericano de Cortometrajes Versión
Española. Parte del premio es la transmisión de la película venezolana
por TVE. Vértigo entrevistó a la directora cuando ganó el premio
principal en el Festival de Barquisimeto.
Lea la entrevista a Alexandra Henao en Vértigo/
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Heroína venezolana: En octubre comenzará a filmarse La mujer del coronel, una
película sobre Luisa Cáceres de Arismendi, una mujer que luchó por
la Independencia de Venezuela. El filme será coproducido por la Villa del Cine. Lo
dirigirá Juan Carlos Wessolossky y actuarán Carlos Mata y Bárbara Mori.
Ver más/
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Kenneth
Anger revisitado: "La enfática 'salida'
de Fireworks condujo limpliamente a Anger a través del desafío
que la mayoría de los hombres gay de su generación encontraron tan
arduo, y lo absolvió de cualquier necesidad de politizar su sexualidad.
La sensibilidad camp/queer que prevalece a través de su trabajó y alcanza
su apogeo en el brillante fragmento de Kustom Kar Kommandos
(1965), pero las películas posteriores a Fireworks no manifiestan
interés en los traumas del día a día de la vida gay", escribe
Tony Rayns en un artículo publicado en Sight and Sound con motivo
de una nueva edición de las películas del cineasta estadounidense en DVD. Ver más/
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Introducción
al flicker film: "El
expatriado austríaco Peter Kubelka es usualmente considerado como el
primer practicante de lo que ha llegado a ser conocido como el 'flicker
film', un pequeño pero fascinante subgénero de la vanguardia.
Brakhage y sus contemporáneos (Gregory Markopoulos, Robert Breer)
gravitaron hacia la abstracción de las imágenes breves para enfatizar y
liberar el poder de los cuadros individuales; Kubelka hizo del cuadro
individual la unidad básica y el instrumento de su arte", escribe
Michael Joshua Rowin en un artículo publicado en Moving Image Source.
Vértigo incluyó recientemente en la sección Imágenes en Líneas el
filme Arnulf Rainer de Kubelka (foto) (1960) y otro flicker film:
Shutter Interface de Paul Sharits (1975) Ver más/
Vea los filmes de Kubelka y Sharits en Vértigo/
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Sexualidad
en femenino: "Resistencia
a lo simple y por consiguiente restrictiva comprensión de los
personajes, son la clave de las películas de Catherine Breillat, que
continúa esforzándose en representar la conciencia de sus personajes
femeninos en extremadamente complejos términos. Ella no nos ofrece un
acceso expedito a la mente de la mujer como lo encontraríamos en una
película del mainstream donde esto siempre se hace de forma evidente",
escribe Brian Price en un artículo publicado en la revista chilena
La Fuga. Ver más/
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Especialidades estancadas: Hay entre 20 y 30 filmes considerados como "especialidades" por
la industria estadounidense que no han encontrado distribuidor en
ese país todavía, como El imaginario del doctor Parnassus de
Terry Gilliam y Ágora de Alejandro Amenábar. Fox Searchlight
no ha hecho compras importantes desde El luchador y Adam,
una película independiente de Max Mayer. New Line y Vantage ya no
están realmente en el negocio, según Variety, y Warner
Independent desapareció. Ver más/Comentar
Folklore
criminal:
Ver
sin juzgar:
Otro
tipo 
Karlovy
Vary inicia:
Cine
de la inacción:
Premiado
Kenneth
Anger revisitado:
Introducción
Sexualidad
Especialidades estancadas:
