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artículos de otras
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Artículos del
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| The Big Doll House |
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El
camino de la seda a Hollywood:
Stuart Jeffries cuenta en The Guardian la historia de cómo el
cine de China y Hong Kong llegó a convertirse en una influencia
fundamental en Hollywood. Jakcie Chan es el protagonista de su relato.
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Década
prodigiosa:
La revista española Miradas
de Cine dedica un dossier a los años cuarenta, la época en la que se
produjo desde el Ciudadano Kane y El halcón maltés en
Hollywood, hasta la segunda parte de Iván el Terrible.
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El
tercer hombre:
Junto con Charlie Chaplin y Buster Keaton, la tercera figura del humor
en el cine de la época silente fue Harold Lloyd. Hugo Salas examina en
el suplmento Radar de Página/12 la figura del artista que en su
opinión sentó las bases de la comedia romántica.
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Secreto
encanto de la cárcel:
"Esta dinámica -exclusión erotizada de los hombres y concentración en
las relaciones entre mujeres- fue la característica definitiva de un
puñado de filmes de mujeres en prisión en los setenta. En esas
películas, la hermandad femenina, generalmente establecida de cara a la
represión, es fetichizada -el feminismo se convierte en una suerte de
sueño húmedo masoquista de hombres", escribe Noah Berlatsky en Bright
Lights.
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Música
imaginaria:
Suzana Reck Miranda se ocupa
de la música en las películas de Krzysztof Kieslowski, y en particular
del compositor ficticio Van den Bundenmayer, en la Revista
Universitaria do Audiovisual.
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Autores
intelectuales:
"Cuando los jóvenes cineastas
franceses conocidos como la Nueva Ola fueron a la guerra contra sus
mayores, a finales de los cincuenta y comienzos de los sesenta, los
filmes sobre el crimen fueron, de muchas maneras, el campo donde se
entabló la batalla decisiva", escribe Terrence Rafferty en el New
York Times, con motivo de la exhibición de un ciclo histórico del
desarrollo del género en Francia.
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| Sombre |
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Noche
oscura del cuerpo:
John Bradburn dedica un texto
a las películas de un director de terror que ha hecho del cuerpo el
centro de interés en sus filmes: Philippe Grandrieux, realizador de
Sombre (1998) y La vie nouvelle (2002). Su
artículo en Vertigo Magazine intenta establecer comparaciones con
David Lynch.
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Louis
Feuillade revisitado:
Craig Keller pasa revista en
su blog, Cinemasparagus, al serial precursor de los superhéroes actuales
Judex (1916-1917), al que considera el menos inclinado hacia lo
explícito en la obra del director de Los vampiros (1915-1916).
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El
parto de William Castle:
David Parkinson cuenta en Film in Focus la truculenta historia de
cómo William Castle, el artífice de The Tingler (1959), produjo El
bebé de Rosemary, con tres directores involucrados -él, Roman
Polanski y John Cassavetes- y una larga serie de incidentes
desafortunados.
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Peligro:
Michael Haneke
Miradas de Cine publica un extenso dossier a la obra del director
austríaco, que incluye un estudio de José Francisco Montero y reseñas de
sus filmes, con motivo del estreno de la versión estadounidense de
Funny Games en España.
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Entre
dos orillas:
Olaf Möller reseña en
Film Comment la obra de Li Ying, un realizador nacido en China y
radicado en Japón, y que ha destacado como director de documentales
críticos de ambas culturas. Un ejemplo: Yasukuni (2007) (en la
foto), sobre un templo que congrega a los militaristas japoneses.
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¿Crítica
sin críticos?
"Habituados a esa rutina que parece iniciarse con Platón, en la cual el
arte es el reflejo de la realidad, los críticos han defendido la
necesidad de escrutar en las interioridades e la obra artística, con el
fin de sacar a la luz aquellos mensajes que sólo unos pocos elegidos son
capaces de interpretar. Y eso sólo es posible estableciendo una férrea
disciplina metodológica, algo que parece ajeno a la naturaleza misma de
los blogs. Examinando el asunto desde esa perspectiva, parece
irrefutable que en ese soporte será imposible encontrar algo más que
opiniones y comentarios efímeros", escribe Juan Antonio García
Borrero en Cine Cubano (ilustración tomada de la revista).
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Ocaso de los autores, alborada de los
géneros:
"El cine de autor en Cuba se
está eclipsando. O al menos languidece ese concepto inherente a los
mejores tiempos del Icaic, cuando la mayoría de los filmes resultaban de
la acción creativa, la imaginación, la concepción del mundo y las
obsesiones del director, del artista comprometido con su cultura y con
el destino de la nación", escribe Joel del Río en Cine Cubano, en
un artículo dedicado a la importancia actual de los géneros en las
películas rodadas en la isla.
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Monstruos
de nueva generación:
Stan Wilson, el artífice
de criaturas como Terminator y los dinosaurios de Jurassic Park,
sustituyó los muñecos de goma de los cuarenta y los cincuenta por los
animatronics, mezcla de títeres y robots con maquillaje, escribe María Gainza
en el suplemento Radar de Página/12.
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Elegía
del sentido:
"El ojo de Chris Marker para la casualidad, lo irónico y el absurdo no
es una celebración complaciente del sinsentido o encogerse de hombros
ante la historia sino una sutil elegía del sentido; un reconocimiento de
que el ejercicio del poder por élites o grupos reducidos, bien sean
capitalistas, comunistas o abiertamente fascistas perturba las certezas
y el equilibrio del mundo, y reescribe las reglas de la percepción de
acuerdo con las líneas de sus propios intereses puestos al desnudo",
escribe Andrew Tracy en Cinema Scope.
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Introducción
a Manoel de Oliveira:
Jonathan Rosembaum escribió en
Film Comment un largo y poco complaciente artículo de
presentación del cineasta portugués, que está cerca de cumplir 100 años
de edad, y de su vasta obra, que ha continuado creciendo hasta hoy.
Oliveira estrenó una película el año pasado, tiene otra en preproducción
y ha rodado una cinta que sólo debe ser mostrada al público después de
su muerte.
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Trabajo
de hormiga:
Mark Penny escribe en
Offscreen sobre Phase IV (1974), dirigida por Saul Bass,
diseñador de afiches de películas como Anatomía de un asesinato,
de Otto Preminger, y conocido principalmente como creador de varias
secuencias de créditos que han pasado a la historia del cine, como los
de Vértigo,
de Alfred Hitchcock.
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¿Franceses
o coreanos?
Diego Brodersen expone breve
pero detalladamente los sistemas de cuota de pantalla en Corea del Sur y
Francia, con los resultados que se han obtenido en ambas naciones, que
en ocasiones han sido contraproducentes, y los cambios que han sido
introducidos a lo largo de la historia reciente en el país asiático, con
el fin de plantear alternativas para Argentina.
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Memorias
del autocine:
Dennis Coziello relata en Green Cine su historia personal de uno
de los emblemas del american way of life, que en 2008 cumple 55
años. Llegó a haber 4.058 autocines en Estados Unidos en 1958, de los
que hoy sobreviven alrededor de 400.
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La
máscara de Night Shyamalan:
"Para
lograr ese efecto de fascinación provinciana que produce en la industria
del cine norteamericano y en su prensa acólita y de gusto tribial, M.
Night Shyamalan utiliza un anzuelo, el fuera de campo, pero cuya puesta
en marcha evidencia el cuidado por no dejar demasiado lugar a las
preguntas del espectador al presentarlo y desactivarlo rápidamente,
explicándolo", escribe Sergio Wolf en Otros Cines.
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Desde
la filosofía:
"El cine es el último arte
perverso, puesto que no te da lo que deseas, sino que te dice cómo
desear. Nuestros deseos son artificiales: tenemos que ser enseñados a
desear y en eso el cine ha jugado un papel central", escriben Valentina
de los Ríos y Matías Ayala en un artículo dedicado a la
concepción del cine del filósofo esloveno Slavoj Zizek publicado en
La Fuga.
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Calavera
sádica:
"Gran parte del interés y la eficacia de The Skull (1965)
proviene del uso del encuadre completo 2,35:1 del Technoscope. A lo
largo de sus apenas 83 minutos de duración, el ex director de fotografía
Freddie Francis logra algunas composiciones y encuadres impresionantes,
que colocan mucha información importante de la puesta en escena en la
periferia del cuadro", escribe Donato Totaro en Offscreen.
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Desierto
moral:
"There
Will Be Blood (Paul Thomas Anderson, 2007) y No Country for Old
Men (Ethan y Joel Coen, 2007) son reflexiones duras y sin rodeos
sobre el mal, en la senda del predicamento duro del puritanismo,
entendiendo el tema como una fuerza constante y compleja: la violencia
no tiene nada de místico, y aunque su causa sea profunda, suele asomarse
en lo más pedestre de las historias humanas, quitándole a la ambición y
a la codicia su carga teatral y rebajándola a vicios de los instintos de
supervivencia", escribe Jorge González San Martín en La Fuga.
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Condición luminosa:
Con motivo de una
retrospectiva en Film Forum, Terrence Rafferty escribió en The New
York Times una semblanza de Tatsuya Nakadai, actor en La
condición humana (1959-1961) y otros filmes de Masako Kobayashi,
así como en Ran, de
Akira Kurosawa (foto).
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Estado
del cine en Chile:
En momentos en los que el cine chileno vive un auge, la revista La
Fuga dedica un dossier a estudiar el panorama, que comprende desde
análisis de las películas hasta su consideración como industria
cultural. Es una discusión que falta dar en Venezuela.
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Así
en la ficción como en el documental:
Liliana Sáez pasa revista en
Miradas de Cine a la obra del realizador colombiano Luis Ospina,
cuyas películas iniciales intentaron ser una respuesta a lo que llamó la
"pornomiseria": regodearse en los aspectos más tétricos de la realidad
de los países latinoamericanos para ganar premios en festivales
internacionales.
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Monsieur
Verdoux revisitado:
Jim Hoberman escribe en The New York Times sobre lo que fue el
estreno de Monsieur Verdoux, una "comedia de homicidios" que
llegó a los cines en 1947, en los comienzos de la Guerra Fría, y cuyo
protagonista actuaba como si el asesinato fuera la continuación de los
negocios por otros medios, como dijo una vez el realizador.
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Cuestionamientos
a Juno:
Matthew Boyd considera la
película dirigida por Jason Reitman y escrita por Diablo Cody en el
contexto de diversos filmes independientes estadounidenses que "intentan
resolver el hastío mostrando, simplemente, que los personajes se hacen
conscientes de su propio hastío".
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El
cine militante revisitado:
Maximiliano de la Puente
expone en la revista La fuga los principales problemas que
afronta el cine militante actual, desde la cuestión de la adecuación a
los medios disponibles para producir hasta las interrogantes acerca de
la forma que persisten en este tipo de películas, pese a que no
persiguen la meta de ser arte. Pasa revista también a los antecedentes
de este tipo de filmes, en un acertado resumen que se remonta a los
tiempos de la Revolución Rusa, cuando Aleksandr Medvedkin
(en la foto) se convirtió en figura inspiradora del movimiento.
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Combatientes
negros de California:
Charles Burnett es una de las
figuras más destacadas del cine que se forjó desde finales de los
sesenta en la UCLA, gracias a la matrícula económica que pagaban los
estudiantes de California. Ousmane Sembene y Miguel Littín estuvieron
entre los realizadores cuyas películas se veían en la escuela y los
estimularon a hacer un cine negro combativo, opuesto a Hollywood y al
comercialismo de la blaxploitation.
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Música
de imágenes:
Iván Pinto Veas esboza en La Fuga una serie de apuntes en los que
identifica tres corrientes en los videoclips actuales -experimental,
publicitaria y cinematográfica- y reseña cuatro producciones chilenas
recientes.
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Un balazo de nostalgia:
Partiendo de la premisa de que el western es un género de la nostalgia,
en la medida en que se refieren a un tiempo y una pureza perdidos,
Roberto Donati examina el tema en los filmes de Sergio Leone.
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Los
vampiros de la Hammer:
John Potts hace una reseña
personal de las más recordadas de las 16 películas de vampiros que
realizó la compañía independiente, 7 de ellas con Christopher Lee como
Dácula.
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