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| La misma luna, de Patricia Riggen |
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"Parece un pecado hacer una película
positiva de un contexto cruel"
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Próximamente se estrenará en Venezuela La misma luna, una
coproducción mexicano-estadounidense dirigida por Patricia Riggen e
interpretada por Adrián Alonso, Kate del Castillo en los papeles
principales. Se exhibió antes en el Festival de Cine Independiente de
Estados Unidos, y también en función de medianoche.
La misma luna es un filme que reúne algunos de los atributos que despiertan interés en
muchas películas indies estadounidenses. Audacia creativa e inquietud
social, por un lado, acompañadas siempre de la búsqueda de una conexión
emocional con el público. Esto último es claro en la cinta de Riggen: relata
la historia de Rosario (Del Castillo) y Carlitos (Alonso), que son madre e
hijo pero están separados desde hace cuatro años por la frontera entre
México y Estados Unidos. Es una historia de amor, pero de un tipo muy
especial, porque la distancia obliga a que ambos lo manifiesten por medio de
palabras, en vez de las caricias habituales, y deviene en un viaje de
búsqueda de la madre, emprendido por el hijo. No menos contundente es la
problemática social de la que se ocupa el filme: la de la inmigración
ilegal. Pero en la cinta se la aborda desde una perspectiva que hace
resaltar los aspectos positivos de la valentía, el ingenio y la laboriosidad
de los clandestinos, además de su solidaridad, por encima de la faceta
siniestra de esa realidad, que no obstante aparece con toda su violencia en
algunas escenas. El detalle más importante, sin embargo, está en que la madre y el
hijo, que se quieren y a los que las circunstancias separan, nunca aparecen juntos
en la pantalla. El más interesante desafío creativo de la
directora es mantener la relación viva a pesar de eso, lo cual tiene como
recompensa la generación de una expectativa que nunca cesa,
ni siquiera al final de la película.
Patricia Riggen participó con esta cinta en el Festival de Sundance,
donde logró que fuera comprada por una distribuidora internacional para
llevarla a salas de arte y ensayo estadounidenses y a cines de otros países,
además de al público latino en Estados Unidos y a México, hacia donde
apuntaba al principio. En ese mismo festival ganó un premio en 2005 por el
corto Family Portrait (2004), y con otro cortometraje obtuvo el Ariel
de Plata mexicano: La milpa (2002). Vértigo conversó con ella
acerca de La misma luna - Pablo Gamba
Lea la
entrevista a Patricia Riggen en Vértigo |
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crítica |
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[1, 2 y 3 mujeres]
El cortometraje se abre paso hacia el largo por segunda vez en un año en
el cine venezolano con 1, 3 y 3 mujeres. En Ni tan largos...
ni tan cortos, de Héctor Palma (2007), dos cortos fueron unidos para
formar un programa de una hora de duración, sin perder su independencia.
Sin embargo, hay detalles que aportan unidad al conjunto, más allá de
que sean obras del mismo director y guionista: son piezas de género
–suspenso y comedia, respectivamente–, que apuntan hacia una idea de
cine puro. Responden también a una concepción del formato que parece
análoga a la noción de cuento en Julio Cortázar: un corto debe ganar por
KO, a diferencia del largo, donde la victoria debe ser alcanzada por
puntos. El filme de la Villa del Cine fue escrito por cuatro hombres y
dirigido por tres mujeres, pero podría hablarse de una autoría
colectiva, puesto que todo el trabajo se hizo en conjunto. O sea, que
también habría cierta unidad de autor. Los tres segmentos también se
hallan vinculados de una manera abstracta similar a los cortos de Palma:
se trata de historias de mujeres, que abordan problemas sociales y
existenciales, metiéndose bajo la piel de las protagonistas. También
responden a una idea de lo que debe ser un cortometraje, aunque
diferente de la de ese director: un formato para correr riesgos. Otra
diferencia es que en este caso las historias se cruzan o sugieren que
podrían cruzarse, y las actrices protagónicas de un segmento aparecen en
otro en un papel diferente. Igualmente se entrelazan los temas, y tienen
un trasfondo común. No son películas autónomas como las de Palma sino
que componen una unidad. Pero KO en el largo no hay, salvo ejemplos
excepcionales, y para sostener una audacia como la del corto, el de 90
minutos es un formato de mucho costo y demasiado riesgo. De allí que
ambas cintas traigan algo novedoso a las salas comerciales, donde los
largometrajes ejercen un dominio absoluto
- Pablo Gamba
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"La
apuesta es que todo surja de un rompecabezas, y que los cabos sueltos se
amarren en la historia siguiente"
Anabel Rodrígez, directora
de "Rosario"
en 1, 3 y 3 mujeres
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[Viva
Cuba]
Viva
Cuba
(2004)
es un filme sobre gente poco visible en la sociedad, pero no en el
sentido social más trillado. No se trata de marginados por la pobreza
sino por las costumbres o el pensamiento: los niños y las amas de casa,
que pueden continuar siendo considerados como meros artículos del hogar.
Nunca se había hecho en Cuba una película en la que los niños fuesen los
protagonistas, ha dicho una y otra vez el codirector y coguionista, Juan
Carlos Cremata. En cuanto a las mujeres, la cinta cubana más
emblemática, Lucía, de Humberto Solás (1968), las aborda en
relación con tres momentos centrales en la historia del país. En Viva
Cuba, en cambio, el relato que tiene como protagonista a la Nación
con mayúscula es algo que tuvo su desenlace en un pasado que ya comienza
a parecer remoto, cuando triunfó la revolución. Los que cuentan son los
pequeños problemas personales del presente, como la ausencia del hogar
del marido por causa del trabajo, la distancia con los familiares y
amigos del extranjero que el teléfono no logra acortar, y las arriesgadas
travesuras de los hijos. Sobre esta base hay un cuestionamiento
moral: no reparar en estos aspectos de la vida puede
propiciar que se cometan atropellos que resultan particularmente
perversos, puesto que ni siquiera son verdaderamente intencionales.
Pasan como por descuido, lo cual revela hasta qué punto puede dejarse de
prestar atención a los demás. Así ocurre con los padres de Malú, la
chica protagonista, que consideran tan natural decidir su destino sin
preguntarle que ni siquiera parece cruzarles por la mente la idea de que
ella podría tener opiniones diferentes acerca de la
posibilidad de irse a vivir fuera de Cuba
- Pablo Gamba
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[Vittorio De Sica
y las fronteras del neorrealismo]
La
destacada presencia actoral de Vittorio de Sica en el cine italiano basta
para hacerlo una figura memorable, sin embargo esa notable dimensión de su
trabajo queda reducida ante la trascendencia de su obra como director de
varias obras maestras. Dos de sus películas, Ladrón de bicicletas y
Humberto D. hacen del maestro italiano uno de los cineastas mas
importantes del siglo veinte. La primera porque representa un logro mas que
significativo en la historia de esa corriente cinematográfica, un momento en
el que la visión del cine como forma de expresión popular realista, sin
falsas ilusiones ni demagogia nos acerca como ningún otro film a las
angustias elementales de la subsistencia y el trabajo.
Logro de dimensiones
legendarias que integra en contenido y expresión el drama del pueblo
italiano con la dimensión épica del individuo anónimo de las grandes masas
de cualquier país, Ladrón de bicicletas es en su aparente sencillez
una obra compleja que irradia reflexión y humanismo. Umberto D. da un
paso mas allá y posee la particularidad de forzar hasta el extremo la
anécdota haciéndola casi transparente, dejando ver detrás de la existencia
casi anodina de los personajes el implacable paso del tiempo el cual es en
esencia el tema central de la obra. Muestra de ello es la famosa secuencia
de la joven criada y su lucha contra las incansables hormigas, una secuencia
en la que un hecho mínimo de la vida cotidiana accede al primer plano y se
acerca a lo que Cesare Zavattini, guionista del film postuló como su
aspiración mayor como guionista “hacer una película donde no pasara nada”.
Esta secuencia singular quizás sea precursora de los audaces “tiempos
muertos” y secuencias “plenas de vacío” que encontramos en la obra posterior
de cineastas como Michelangelo Antonioni.
Jacobo Penzo
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videopatías |
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[El
tercer hombre]
El
tercer hombre
(The Third Man,
1949), escrito por Graham Greene y dirigido por Carol Reed, con
Joseph Cotten y Orson Welles a la cabeza del elenco, es uno de los
clásicos del cine negro en general y del hecho fuera de Estados
Unidos, en este caso en Gran Bretaña, en particular. Al igual que
Laura, de Otto Preminger (1944), otro filme que forma parte de
la lista de imprescindibles, la historia tiene como eje un personaje
presuntamente fallecido que aparece vivo al final, y como todas las
piezas del género la trama descansa sobre la ambigüedad moral,
propia de un mundo enrarecido en el cual las certezas tienden a
hacerse borrosas o han desaparecido del todo. Esa postura ética
tiene como correlato una fotografía expresionista, a cargo en este
caso de Robert Krasker, de angulaciones extrañas, tenebroso
claroscuro y grandes sombras, que se vuelve gótica en las secuencias
que se desarrollan en las cloacas de Viena. Este caso esa atmósfera
tiene también una expresión en la banda sonora y que se trata de una
cinta que propone una reflexión acerca del film noir como
género, a través de la evocación del género que es considerado como
su contraparte espiritual, el western. Además, a cuatro años
del final del conflicto cuestiona el maniqueísmo de las películas de
la Segunda Guerra Mundial, y se anticipa con estas críticas al clima
de la Guerra Fría que comenzaba a librarse entre Estados Unidos y la
URSS -
Pablo Gamba
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"Como
su compatriota Alfred Hitchcock, Reed convirtió la ficción popular
en thrillers inteligentes. Añade toques a la trama, incluidos
escenarios desoladores, angustia de la posguerra y aristócratas
arruinados. En las películas de Reed el inocente es más ingenuo que
noble, los verdaderos villanos son más inteligentes y encantadores
que el héroe, y éste hace todo lo que ha tratado de evitar"
Deirdre
Feehan,
Senses of Cinema
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imágenes en línea |
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la entrevista |
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 McCineasta:
Cinencuentro publicó una
entrevista en video con Alberto Fuguet, escritor, crítico de cine y
director de Se arrienda. Es, además, una de las figuras centrales
del movimiento literario conocido como McOndo. "El cine latinoamericano
no está hecho para amarlo. No ha hecho películas para encariñarse con
ellas", dice, porque "es un cine combativo". Fuguet confiesa su
admiración por Lucrecia Martel, Ezequiel Acuña, el director de Nadar
solo (2003), y Días de Santiago, de Josué Méndez. Acaba de
terminar un corto, titulado Dos horas.
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al tanto |
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 Locarno
inicia:
Hoy comienza el festival de cine de
la localidad suiza. La competencia por el Leopardo de Oro se extenderá
hasta el 16 de este mes.
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 Víctor
Arregui en la Cinemateca ecuatoriana:
Desde hoy se presenta un ciclo de
películas del director de Cuando me toque a mí, que pronto estará
en cartelera en Venezuela.
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 Danzar
paraguayo:
Juana Miranda estrena hoy el
documental Memorias de danza. Las precursoras, que sigue el
rastro de los orígenes de ese arte en Paraguay.
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Por un puñado de dólares menos:
Hong Sang-soo filmará su próxima
película en HD, con un presupuesto de alrededor de 100.000 dólares. El
cine átomo coreano ha llegado.
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noticiero
latinoamericano |
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 El
tan esperado largo:
Esmir Filho, cuyo filme Saliva
ganó el premio al mejor corto de ficción en el Festival de Cine de
los Pueblos del Sur, en Coro, se prepara para estrenar su primer largo:
Los famosos y los duendes de la muerte. El realizador es autor de
uno de los clips brasileños más vistos en Youtube, Tapa na pantera,
sobre una señora de edad madura que cuenta sus experiencias con la
marihuana, que consume a diario.
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 Dilemas
argentinos:
En el primer semestre del año la
asistencia a los cines en Argentina fue de 1,5 millones de espectadores
menos que en el mismo período de 2007. A comienzos de los setenta había
1.900 cines en el país y ahora hay 800, la mitad de los cuales están
ocupados en el invierno austral por los blockbusters de Hollywood, que
son lanzados con 100 copias o más. Pedir que se limite la cuota de
pantalla estadounidense, sin embargo, perjudicaría al cine nacional, que
se financia con 10% del monto de las entradas vendidas.
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 Tristán
Bauer se encargará del canal del estado:
El director de Iluminados por el
fuego fue designado presidente del Sistema Nacional de Medios
Públicos en Argentina. Tendrá a su cargo el Canal 7 y la Radio Nacional,
con la misión de sustituir los enlatados por producción propia. Bauer
dirigía el canal del Ministerio de Educación, Encuentro.
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la empalizada |
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 Secreto
encanto de la cárcel:
"Esta dinámica -exclusión erotizada de los hombres y concentración en
las relaciones entre mujeres- fue la característica definitiva de un
puñado de filmes de mujeres en prisión en los setenta. En esas
películas, la hermandad femenina, generalmente establecida de cara a la
represión, es fetichizada -el feminismo se convierte en una suerte de
sueño húmedo masoquista de hombres", escribe Noah Berlatsky en Bright
Lights.
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 Música
imaginaria:
Suzana Reck Miranda se ocupa
de la música en las películas de Krzysztof Kieslowski, y en particular
del compositor ficticio Van den Bundenmayer, en la Revista
Universitaria do Audiovisual.
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 Autores
intelectuales:
"Cuando los jóvenes cineastas
franceses conocidos como la Nueva Ola fueron a la guerra contra sus
mayores, a finales de los cincuenta y comienzos de los sesenta, los
filmes sobre el crimen fueron, de muchas maneras, el campo donde se
entabló la batalla decisiva", escribe Terrence Rafferty en el New
York Times, con motivo de la exhibición de un ciclo histórico del
desarrollo del género en Francia.
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la industria |
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 Estrenos
a mitad de semana:
Media docena de filmes serán
lanzados los miércoles en Estados Unidos, en vez del viernes, en lo que
queda del verano, entre ellos Pineapple Express (foto). Aunque
tradicionalmente es el día más flojo en lo que a público respecta, la
idea es que los apoye el boca a boca para cuando llegue el fin de
semana. Además, El caballero negro ha vendido en promedio 8
millones de dólares en entradas todas las noches de los días de semana,
con la excepción de los lunes.
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